PEDRA SOL
CAROLINA VIEIRA

Pedra Sol é o resultado de um período intermitente passado em residência na Escola do Porto Santo entre 2022 e 2023.

Habitar a Escola, tendo-a como ponto central para pensar a ilha onde se insere, trouxe prontamente a necessidade de mapear o território circundante de forma a poder traduzi-lo para a linguagem sensível e matérica da Pintura.
Os primeiros mapeamentos focaram-se na intensa diversidade geológica e material do Porto Santo onde, através percursos a pé, de registos gráficos e recolha de materiais rochosos e vegetais (estes últimos transformados em pigmentos, após moagem e filtragem) foi surgindo a gama cromática daquele lugar.

Embora o processo de criação das pinturas se tenha debruçado, em larga escala, sobre o espaço físico e terreno, ocupado por uma pluralidade abundante e heterogénea de rochas vulcânicas e sedimentares, escorrências, filões lávicos, corais recifais, algas calcárias, fósseis e areias, bem como sobre os micro campos de fungos que vivem em simbiose com organismos fotossintéticos, mais escondidos e apreciáveis apenas em contacto atento e quieto, o âmago deste projeto expositivo é a natureza atmosférica e emotiva das paisagens.

Ao rever as anotações que acompanharam o trabalho prático da Pintura, percebi que todas as indicações apontadas se centravam por um lado, na densidade cromática, por outro, na luminosidade dos elementos: “Os picos mais altos têm uma cobertura de líquenes verdes pálidos (amarelo, azul, amarelo) muito luminosos quando o sol incide sobre eles. A sua luz é intensa, mas sóbria” . Estes apontamentos aludem constantemente ao processo de acumulação (adição ou subtração) que tem de acontecer na superfície do trabalho para que a luz possa atravessar o pano cru.

Pedra Sol alude a uma formação geológica de tubos de lava, observável a partir do mar ao largo do Ilhéu de Cima. Vi-a durante o Verão de 2022, mas por não ter como a registar em imagem fiquei-lhe apenas com a memória, que decerto é o que mais interessa. Naquele avistamento a importância em pensar o território físico e geológico transitou para o território atmosférico e lumínico da ilha. O Porto Santo age como espaço acentuador de fenómenos óticos e sensações pois emana, em toda a sua extensão, uma claridade intensa, por vezes próxima de uma cegueira fragmentada. Possivelmente pela ausência de vegetação densa, ou pela sua cobertura vasta de líquenes. Ali são as pedras que derramam luz.

Carolina Vieira

Pedra Sol resulted from an intermittent residence at the Porto Santo School in 2022 and 2023.

Inhabiting the school, using it as the center from which to think about the island where it is located, prompted the need to map the surrounding territory to translate it into the sensitive and material language of Painting.
The first mappings focused on the intense geological and material diversity of Porto Santo, where the place's chromatic range emerged through hiking routes, graphic records, and the collection of rock and plant materials (the latter transformed into pigments after grinding and filtering).

Although the process of creating the paintings focused on the island's terrain and physical space --- with its abundant and heterogeneous diversity of volcanic and sedimentary rocks, seeps, lava flows, coral reefs, calcareous algae, fossils and sands, as well as the micro-fields of fungi that live in symbiosis with photosynthetic organisms, which are more hidden and can only be appreciated in close and quiet contact --- the core of this exhibition project is the atmospheric and emotive nature of the landscapes.
On reviewing the notes that accompanied the practical work of painting, I realized that they focused either on chromatic density or on the luminosity of the elements: "The highest peaks are covered in pale green lichens (yellow, blue, yellow) that are very luminous when the sun shines on them. Their light is intense but sober." These notes constantly allude to the process of accumulation (addition or subtraction) that must take place on the surface of the work so that the light can pass through the raw cloth.

Pedra Sol alludes to a geological formation of lava tubes, observable from the sea off Ilhéu de Cima. I saw it during the summer of 2022, but because I could not record it in an image, I only have the memory of it, which is what matters most. In that sighting, the importance of thinking about the physical and geological territory shifted to the atmospheric and luminous territory of the island. Porto Santo acts as a space that accentuates optical phenomena and sensations, emanating an intense clarity, sometimes close to fragmented blindness, possibly due to the absence of dense vegetation or its vast lichen cover. In the stony landscape, rocks shed light.

Carolina Vieira

Instalação, acrílico, algodão e pedras, 2023

Sem título, acrílico sobre algodão, 2023

Pintura-objecto, acrílico sobre algodão, 2023

Sabemos que o nosso corpo, físico e astral, interage profunda e silenciosamente com o corpo da Terra, de Gaia, e com o Cosmos. Estamos ligados a tudo, a todos os seres, a todas as coisas, de forma invisível, espiritual e sensível, e as energias que estabelecem essa ligação, atmosféricas e telúricas, afectam profundamente o nosso ser.

A nossa existência, biológica, fisiológica e cósmica, define-se pela abertura ao que vemos e ao que não vemos, ao que conhecemos e ao que não conhecemos, mas sobretudo ao que sentimos e que por vezes, a maioria das vezes, não conseguimos definir e, em consequência, não reconhecemos.

A história da Humanidade é um contínuo processo de esquecimento no interior do qual há, em determinados períodos, raros e espaçados no tempo, momentos de esclarecimento, de predisposição e abertura espiritual e física.

Vivemos hoje, neste preciso momento, um período de dúvida sistemática sobre o curso da nossa existência e, conquanto pareçamos, de um modo geral, mais predispostos a abrir-nos ao que não conhecemos e a abandonar a crença obscurantista que lá atrás, na Renascença, no tempo das Luzes, nos fez acreditar que éramos o centro da existência, em favor do cultivo de uma relação de paridade e de curiosidade com os outros seres que connosco coabitam e partilham os fragores e os tremores do planeta a que chamamos “terra”, sentimos o chão a fugir-nos debaixo dos pés e o céu a desabar sobre a nossa cabeça. “Época de crise” — assim convencionámos chamar estes momentos de dúvida no progresso e na prosperidade (o binómio maldito que muitas profecias esotéricas já anunciavam em pleno século XIX, nos alvores da Revolução Industrial).

Ora, foi precisamente nas últimas décadas do século XIX que, em reação aos avanços mecânicos e inclementes da industrialização, surgiram no campo artístico vários homens e mulheres que se definiram por uma postura não conformista, em resistência ao ar do tempo, àquilo que identificavam como uma dinâmica colectiva de passividade e cegueira, que contrastava com a vontade de afirmação da criatividade e da emancipação espiritual individual — em suma, estes artistas e pensadores professavam que a existência humana deveria ser movida por uma indómita vontade de emancipação, uma sede de liberdade, um desejo de iluminação interior (obtida, até, por caminhos insondáveis).

O trabalho de Carolina Vieira provém de um horizonte temporal amplo e profundo. Na sua prática artística, que é, em simultâneo, um modus vivendi , dialoga com várias tradições espiritualistas arcaicas, místicas e românticas, culturas do sopro e do canto, da meditação e da contemplação, do Extremo-Oriente ao Extremo-Ocidente — toda uma herança esotérica que ao longo dos tempos tem procurado tornar visíveis as forças do invisível.

Não seria desacertado afirmar que Carolina Vieira faz, justamente, parte de uma linhagem de artistas que operam a partir de uma atenção particularmente aguda ao mundo sensível. A artista trabalha com os elementos, com os materiais telúricos e com os fenómenos meteorológicos: a incidência de um raio de sol sobre um plano de água, os diferentes matizes da terra, o ponto de encontro entre o mar e o céu, jogos de nuvens, as texturas e as colorações térreas, o som do vento.

As obras apresentadas nesta exposição foram produzidas a partir de estadas prolongadas na Escola do Porto Santo e de um alargado conjunto de incursões no território, diverso e fascinante, da Ilha. Entre pinturas de luz, pigmentos produzidos com materiais do lugar, pinturas-objecto, que trazem para o espaço expositivo elementos líticos e terrosos, a exposição capta a atmosfera e as materialidades da Ilha Atlântica, projectando-os para um espaço de ínfimas percepções.

Estas peças, entre a imagem e a matéria, entre o olho e a mão, desafiam o visitante a uma aprendizagem, que é ao mesmo tempo uma rememoração, um jogo de memória — ver como se fosse pela primeira vez, com o corpo todo.

As visões prevalecem sobre a visão, a empatia e a imaginação são modos de aproximação e de conhecimento do mundo, a realidade interior é perturbada, abalada, entretecida a partir de uma construção fenomenológica silenciosa e rigorosa.

Nuno Faria

We know that our physical and astral bodies interact deeply and silently with the Earth's — Gaia's — body and the Cosmos. We are connected to everything, all beings, all things, in an invisible, spiritual, and sensitive way, and the atmospheric and telluric energies that establish this connection affect our being profoundly.

Our biological, physiological, and cosmic existence is defined by our openness to what we see and don't see, to what we know and don't know, but above all, to what we feel and which — sometimes, most of the time — we can't define and therefore don't recognize.

Human history is a continuous process of forgetting punctuated by moments of enlightenment, specific rare and spaced-out periods in which humanity predisposes to spiritual and physical openness.

Today — at this very moment — we live in a period characterized by systematic doubt about the course of our existence and, although we seem, in general, to be more predisposed to opening up to what we don't know and abandoning the obscurantist belief that back in the Renaissance, at the time of the Enlightenment, made us believe that we were the center of existence, in favor of cultivating a relationship of parity and curiosity with the other beings who cohabit with us and share the tremors of the planet we call the "Earth," we feel the ground slipping away from under our feet and the sky collapsing over our heads.

"Times of crisis," that's what we call these moments of doubt in progress and prosperity (the cursed binomial that many esoteric prophecies were already announcing in the middle of the 19th century, at the dawn of the Industrial Revolution).

However, it was precisely in the last decades of the 19th century that, in reaction to the tumultuous mechanical advances of industrialization, several men and women emerged in the artistic field with a non-conformist stance, resisting the spirit of their times — which they identified as a collective dynamic of passivity and blindness — with their desire to affirm creativity and spiritual individual emancipation. These artists and thinkers were driven by an indomitable desire for emancipation, freedom, and enlightenment (even risking unfathomable paths).

Carolina Vieira's work arises from a broad and deep temporal horizon. In her artistic practice, which is also her modus vivendi , she dialogues with various archaic, mystical, and romantic spiritual traditions, cultures of breath and song, meditation and contemplation, from the Far East to the Far West — an esoteric heritage that, throughout the ages, has sought to make visible the forces of the invisible.

Carolina Vieira is part of a lineage of artists who regard the sensitive world with particularly acute attention. She works with the elements, with earthly materials, and meteorological phenomena: the incidence of a ray of sunlight on a plane of water, the different hues of the land, the meeting point between the sea and the sky, a play of clouds, earthy textures and colors, the sound of the wind.

The works presented in this exhibition were produced during her prolonged stays at Escola do Porto Santo and arise from her many incursions into the island's diverse and fascinating territory.

Her object-paintings use light and pigments produced with local materials to bring lithic and earthy elements into the exhibition space. The exhibition captures the atmosphere and materialities of this Atlantic Island, projecting them into a space of minute perceptions.

Between image and matter, the eye and the hand, these pieces invite the viewer to a learning experience — one that is also a reminiscence, a memory game — to see, as if for the first time, with their whole body. Visions prevail over vision, and empathy and imagination are ways of approaching and getting to know the world. Our inner reality is disturbed, shaken, and woven from a silent, rigorous phenomenological construction.

Nuno Faria

Pico do Facho, acrílico sobre algodão, 2023

INCENDIAR OS OLHOS NO CORAÇÃO DE UMA PEDRA

Entrevista a Carolina Vieira
Sobre Pedra Sol

Por Susana de Figueiredo

Uma ilha está para um corpo como a pedra irrompida que lhe guarda a luz. É preciso olhar as pedras que derramam a luz se quisermos ler o sol de Carolina Vieira e subir até à cegueira que nos abre os olhos. Primeiro, um pé sobre a terra, ou a mão silenciosa que o surpreende, entrando pela escarpa do peito que a rocha abriu. Talvez uma dança ancestral levemente enternecida, ou uma aparição que se ergue do lado de dentro. Uma pedra e a sua densa luz, raio divino transmutado num corpo que ora sobrevoa ora emerge da carne mais crua da terra, pela sua pele mais primitiva. De laceração em laceração, batendo a pedra até ao sal. Eis o sol.
Há uma ilha; esta ferida benigna que se espraia nos olhos de quem a toca, na mão munida do espanto, no ventre da árvore longínqua, no gemido nocturno do mar. Eis a sombra e o seu corpo íntegro, a infinita língua do tempo, e uma e outra pele sobre a outra. O corpo e o todo. Uma ilha.

Quando Carolina Vieira se instala na Antiga Escola da Vila do Porto Santo, o miolo da casa ainda estava em construção. Um frigorífico pequeno, algumas camas, a sala de aula servindo de atelier. O bastante para os primórdios de uma incursão de descoberta e aprofundamento sobre aquele território, sombra maior para dar à luz. E de resto, tudo; a ilha, a terra sob os pés, o mar como um corpo que abraça outro corpo. Luz contra luz, escuridão contra escuridão. Contemplar a paisagem e os seus materiais pela veia mais próxima da indagação, desenhando-lhe a transparência, num movimento contínuo e interseccional com os elementos que a compõem. “Como é que podemos aproveitar este lugar para pensar a pintura?” Ao interrogar-se sobre o seu próprio modo de criar, a artista inclina-se sobre a terra e sobre a água, num exercício imersivo, e algo imprevisível, onde o espanto sucessivo acaba por ocupar um lugar central, consubstanciado na alegria de uma consentida fatalidade. Nas suas migrações pela ilha do Porto Santo, nas subidas aos picos, na claridade flamejante, no ardor da pedra que se não sabia. Observar, colher e esmagar a pedra; um trabalho arqueológico e altamente sensitivo, que não se esgota no terreno, continua sobre as camadas da pele e por dentro dela, e depois sobre a tela, num corpo-a-corpo em que nada, absolutamente nada, se perde em vão na narrativa cromática que o pincel vai ditando. A perda e a falha também são caminho, e ao contrário do que sucede nas ciências exactas, “no desenho e na pintura não há erros, há expetativas. Tudo pode ser transformado”, e, na verdade, reside aí a derradeira beleza, naquilo que se descobre por acaso, quando a mão se desvia, mas não perde o fio da devoção. É mesmo aí, onde, por vezes, não se espera. Deste processo em atelier, eclodiram formas que a artista transformou em objetos que integram a exposição. Tornar uma pintura corpo, poder guardá-la nas mãos. Como? A poesia, a meu ver, explica-o, embora a discrição de Carolina Vieira aponte a luz ao ofício. “Não é tão poético como pode parecer… São descobertas que acontecem no trabalho de atelier. Por vezes, temos uma ideia muito clara do que queremos que uma pintura seja, e ela, às vezes, até consegue ser o que imaginámos, mas, na maior parte das vezes, a pintura é esse mergulho até encontrarmos o lugar onde nos sentimos confortáveis. Ao trabalhar com transparências, quando há um erro ou um acidente, é difícil voltar atrás, porque a camada que veio anteriormente vai sempre aparecer, por mais tinta que eu ponha por cima. Havia muitas partes da pintura que não resultavam, então, comecei a pensar no que iria fazer com esses bocados de pinturas falhadas. Não podem ir para o lixo, não podiam ser desperdício; e foi do manuseamento desses recortes que começaram a surgir umas dobras e apercebi-me de que o pano dobrado era bonito quando a luz incidia sobre ele, ou de que podia fazer sentido conjugá-lo com uma pedra. Foi uma coisa bastante natural, acho que a maior parte do trabalho é sempre bastante acidental, quer se queira quer não, e essa é a parte bonita, é por isso que se continua a pintar, senão não valia a pena”.
Pintar como quem mergulha, sem medo e profundamente. Intimamente e pelo princípio; do fim, também, da cinza invisível que os dedos devoram até à alumiação, rememorando a terra que se mistura com a carne. “Isto de construir a pintura em camadas é um pouco como um mergulho, vamos até ao fundo e as coisas começam a parecer mais densas, mas tudo o que está à volta é leve, é água. Pode ser uma analogia estranha, mas, para mim, faz sentido. E quanto mais fundo mergulhamos, mais a luz se vai subtraindo. É isso que acontece com esta sobreposição, temos de pensar sempre em guardar espaços de luz. Quando trabalhamos com transparências, temos de guardar os espaços que queremos que a luz atravesse e não colocar muita tinta sobre eles, adicionamos tinta nos espaços em que queremos ter mais densidade cromática. Isto também acontece no mergulho, a luz desaparece e as cores mudam”. Esta leitura sensível do território encontra raízes numa travessia que começou, tal como para muitos madeirenses, na infância. Os verões passados no Porto Santo, em família, eram o encontro com “um lugar seguro”, uma espécie de embalo materno, de sal morno, de lugar primogénito onde o medo não entra no escuro, até porque “do escuro podem sair coisas boas; o escuro supõe que há luz noutra parte”.
Pedra Sol é, assim, a materialização desta dualidade que artista foi trabalhando, durante a sua estada no Porto Santo, quase como quem respira, uma respiração, por vezes, sustida, também ela feita de camadas, deambulando entre o desejo e o espanto, entre o intencional e o acidental, entre a luz e sombra. E é no trespasse desses véus que a beleza ganha terreno. “A sensação de segurança abre outras portas cá dentro, abre portas para o belo, para o sublime; estamos mais abertos a essas experiências quando nos sentimos seguros, quando nos sentimos bem num lugar, a acho que as pinturas transmitem exactamente isso”.

O encontro inesperado com a Pedra do Sol, durante um passeio de barco espoletado no âmbito de um simpósio de geologia, foi decisivo na forma de pensar a exposição. Se, até então, Carolina Vieira estava essencialmente focada no solo, nos líquenes, nas pedras e na recolha exaustiva desses materiais, o desvéu da Pedra do Sol, formação geológica que dá nome à exposição, abre ainda mais o território a explorar: a intensa luminosidade e os fenómenos ópticos propiciados por uma paisagem caracterizada, à primeira vista, pela sua aridez. “Num espaço geológico tão restrito como o Porto Santo, há imensas variações de cores, umas muito subtis, outras muito intensas, e só conseguimos vê-las quando as separamos. Comecei a pensar mais nas formas do que propriamente no material: nas formas das pedras, dos líquenes, dos picos, nos desenhos das montanhas, nos desenhos do mar, e as coisas foram caminhando para um nível menos material. “Do ponto de vista técnico, há uma anulação da matéria no suporte. Não há marcas de pincel, procurei que estas fossem anuladas para preservar esse silêncio. O foco está na forma e nas cores e não na marca de quem cria.” Mas Pedra Sol arde nos olhos que a dissecam drasticamente, nos olhos que a vêem antes, muito antes, dentro do torpor do silêncio e sob os seus múltiplos véus, pelas mãos do vento anunciando a transparência onde entramos. E ela entra.
Antes e depois do tempo – Carolina – ou como incendiar os olhos no coração de uma pedra.

Sem título, acrílico sobre algodão, 2022

CAROLINA VIEIRA
Funchal, 1994. Licenciada em Artes Plásticas pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e Mestre em Pintura pela mesma instituição. Assistente da direção artística e serviços educativos na PORTA33 desde 2019. A sua prática artística utiliza a paisagem para explorar aspetos materiais da própria pintura - composição, forma, transparência, luz e cor – e por ser uma linguagem que permite trabalhar conceitos imateriais como o sublime, através da construção de imagens que podem ser lugares imaginados ou reais. Imagens que usam a paisagem como intenção ou como narrativa. Expõe desde 2015, destacando-se as exposições individuais Tudo o que foi / tudo o que será (2023), na Capela da Boa Viagem - Núcleo Difusor de Arte e Cultura Contemporânea e Alumiar (2020), na Galeria do Mudas – Museu de Arte Contemporânea da Madeira e as coletivas The Other Side of the Moon (2023), no Buchheim Museum, Na Margem da Paisagem Vem o Mundo (2021), no Pavilhão Branco – Galerias Municipais de Lisboa, O Sol Marca a Sombra (2021), no Museu de História Natural do Funchal e Ilhéstico – Um roteiro de Arte Contemporânea para a cidade do Funchal (2019), na PORTA33.

Exposições coletivas

2023 – Enseada , Festival de Artes do Funchal, Funchal (PT)
2023 - The Other Side of the Moon, Buchheim Museum, Munique (DE)
2022 – Umbra, Galeria da Fundação Cecília Zino, Funchal (PT)
2021 - O Sol Marca a Sombra, Museu de História Natural do Funchal, Funchal (PT)
2021 – Na Margem da Paisagem Vem o Mundo, Pavilhão Branco, Galerias Municipais de Lisboa, Lisboa (PT)
2020 - Pela paisagem dividida, retalhada, Galeria dos Prazeres, Calheta (PT)
2019 – Ilhéstico: Um roteiro de Arte Contemporânea para a cidade do Funchal , PORTA33, Funchal (PT)
2019 - Em Viagem, Quinta Magnólia, Funchal (PT)
2019 - Medir o tempo e contar o espaço, Galeria Ap’Arte, Porto (PT)
2018 - Diálogos com Amadeo, Galeria Olívia Reis, Espinho (PT)
2018 - Deslocamentos poéticos, Sala de Exposições Angelita Stefani (UNF), Santa Maria, Rio Grande do Sul, (BR)
2018 - Orvalho III, Silo Espaço Cultural, Porto (PT)
2017 - Boa Hora, Museu da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, Porto (PT)
2017 - Camélias na cidade, Fundação Escultor José Rodrigues, Porto (PT)
2016 - (dis)closer to the end, Museu da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, Porto (PT)
2016 - Projeções 2016 – O Desenho da FBAUP, Lugar do Desenho – Fundação Júlio Resende, Gondomar (PT)
2016 - Sem título. Técnica mista. Dimensões variáveis., Galeria Geraldes da Silva, Porto (PT)
2016 - Pro-Aesthésis, Hospital da Prelada, Porto (PT)
2016 - XXIX Salão de Primavera, Galeria de Arte do Casino Estoril, Estoril (PT)
2015 - 303 Ímpar, Galeria Geraldes da Silva, Porto (PT)
Exposições individuais 2023 - Tudo o que foi, tudo o que será , Capela da Boa Viagem – Núcleo Difusor de Arte e Cultura Contemporânea, Funchal (PT)
2020 - Alumiar, Galeria do MUDAS, Museu de Arte Contemporânea da Madeira, Calheta (PT)
2018 - Reflexões sobre uma paisagem insular, Galeria Cozinha, Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, Porto (PT)

Ensaios, artigos, publicações
Faria, N. (2023). Pedra Sol . ts, PORTA33.
Pérez, M. von H. (2021). In Ilhéstico: Um roteiro de arte contemporânea para a cidade do Funchal (pp. 213–214). catálogo, PORTA33.
“Reflexões sobre a Representação da Paisagem na Pintura Contemporânea no Contexto Português” in Ponte, S., Gonçalves, S., Loureiro, D., Laranjo, F., Ascenso, A., Postiga, I., Pinheiro, D., Vieira, C., & Poppovic, M. (2017). Sobre Pintura. (pp. 159 ) Porto: i2ADS.

Isabel Carlos É licenciada em Filosofia pela Universidade de Coimbra e mestre em Comunicação Social pela Universidade Nova de Lisboa com a tese «Performance ou a Arte num Lugar Incómodo» (1993). Crítica de arte desde 1991. Assessora para a área de exposições de Lisboa’94 – Capital Europeia da Cultura. Foi co-fundadora e subdirectora do Instituto de Arte Contemporânea, tutelado pelo Ministério da Cultura (1996-2001). Foi membro dos júris da Bienal de Veneza (2003), do Turner Prize (2010), The Vincent Award (2013), entre outros. Co-seleccionadora do Ars Mundi, Cardiff (2008). Entre as inúmeras exposições que organizou e catálogos que publicou destacam-se: Bienal de Sidney «On Reason and Emotion» (2004), «Intus» de Helena Almeida, Pavilhão de Portugal, Bienal de Veneza (2005), «Provisions for the Future», Bienal de Sharjah (2009). Entre 2009 e 2015 foi directora do CAM_Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa.

Nuno Faria É curador independente e professor convidado na Escola Superior de Design das Caldas da Rainha e na Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa. Trabalhou no Instituto de Arte Contemporânea do Ministério da Cultura de Portugal (1997-2003) e na Fundação Calouste Gulbenkian (2003-2009). Viveu e trabalhou no Algarve entre 2007 e 2012, onde fundou (em Loulé, em 2009) o projecto Mobilehome - Escola de Arte Nómada, Experimental e Independente. Foi diretor artístico do Centro Internacional das Artes José de Guimarães, em Guimarães (2013-2019) e do Museu da Cidade do Porto (2019-2022).