Os trabalhos de Lourdes Castro centram-se na sombra como horizonte de percepção e interrogação da realidade. Depois de ter participado com outros artistas europeus na criação em Paris de uma das raras revistas experimentais nesse momento publicadas (1), a artista começa a fazer, em princípios da década de 60, objectos que resultam da colecção "de tudo o que é para deitar fora" (2), pintando-os depois a alumínio. Algumas destas esculturas são caixas em que os objectos são colados sendo posteriormente pintados a uma cor uniforme. Noutros casos, encontram-se colagens sobre tela de letras e objectos do quotidiano, dispersos ou concentrados. A aproximação aos princípios da "collage" e da "assemblage", no contexto de algumas das questões abrangidas pelo Novo Realismo, parece evidente numa primeira abordagem destas obras. No entanto, não há qualquer reivindicação da autonomia do objecto estético em relação ao objecto de uso, ou da sua irrisão pela acumulação e apropriação, ao contrário do que sucedia com os "nouveaux-réalistes". Lourdes Castro liberta-se dos objectos, ao coleccioná-los. Sublinha a sua condição supérflua ou desnecessária ao reuni-los e uniformizá-los por uma mesma cor. Figura e fundo indistinguem-se no seu efeito compositivo. A densidade revela-se na concentração ou dispersão dos objectos numa área ou superfície, unificados na interrogação dessa relação "desnecessária" entre o objecto comum, a escultura e a pintura.

Este desejo de libertação "ecológica" da materialidade objectual acentua-se na obra da artista a partir da interrogação da sombra como contorno de uma ausência do objecto ou da figura por ela evocada. Numa fotografia encontramos alguém que salta: os pés elevam-se no ar, a sombra projecta-se horizontalmente no chão, "desapegada" (3), do corpo, liberta da condição do sujeito e da sua identidade. As primeiras sombras projectadas (1962) de Lourdes Castro são serigrafias realizadas a partir das colagens de objectos, os quais são previamente colocados sobre a seda pré-sensibilizada. O objecto é desmaterializado a partir da projecção e impressão da sua sombra. De certo modo, é apagado para apenas dele se reter o essencial: a ideia da sua existência, a sombra da sua projecção. Contudo, a sombra revela-se ainda demasiado dependente da entidade que a determina. Da desmaterialização do objecto, a artista passa à desmaterialização da sua sombra, a partir de uma série de pinturas onde apenas os contornos se tornam visíveis. Nas suas pinturas de sombras projectadas de amigos, Lourdes Castro afasta-se inequivocamente da representação, da questão da mimese ou da causalidade do objecto. O contorno não é já determinado por este, mas pela sua diluição no olhar da artista, enquanto documentação de um momento efémero, transitório e fugidio. "A sombra ainda é palpável. O contorno já não é. O contorno surpreende-me porque não existia antes de eu o desenhar" (4). O contorno revela-se a subtracção necessária de tudo quanto não é relevante numa figura, conservando e sublinhando a sua essencialidade. "O contorno é o Menos que eu posso ter de alguma coisa, de alguém, conservando as suas características"(5).

Dos contornos de sombras projectadas sobre tela, um problema subsistia, no entanto: o da opacidade da própria pintura. A desmaterialização do objecto, através da sua dissociação da sombra enquanto contorno, necessitava contudo da transparência de um "material imaterial como as sombras" (6), o que se revelará possível com o uso do plexiglas. Sobrepondo diferentes placas deste material, colorindo-o e recortando-o, a artista torna variável a densidade da sombra, projectando-a na parede a partir da sua ausência representificada através de um filtro intermediário: o objecto não é mais a origem da sombra que se projecta. A ausência torna-se definitivamente a revelação de uma separação necessária ao entendimento do que de mais simples se encontra na vida, da recordação da efemeridade de um momento ao diário íntimo de anotações sobre a memória de amigos, dos seus gestos e atitudes, do uso de objectos comuns no dia a dia.

Uma reaproximação à vida, ultrapassada a questão da sua representação, surge com naturalidade. A vida das sombras reunifica-as com a vida quotidiana. Surgem então as sombras deitadas, lençóis bordados com o contorno da sombra de pessoas deitadas, as quais projectam horizontalmente os seus vestígios, como se já não necessitassem da incidência vertical do sol para as definir. A relação com a vida levará estas sombras a reerguerem-se, a perderem a sua fixidez e a ganharem "vida própria", através dos eventos projectados pelo Teatro de Sombras que Lourdes Castro criará com Manuel Zimbro, entre 1973 e 1985. Actos e eventos do dia a dia são transfigurados e encenados através das metamorfoses subtis de adereços, objectos e situações, em peças como Pic-nic à sombra, Noite e Dia, Cinco Estações, Linha de Horizonte, por exemplo. A sombra é agora uma sombra em movimento, encenada a partir de uma teatralidade do quotidiano, sem outros artifícios que não os da criação do efeito de surpresa dos gestos mais simples.

A reificação de um objecto, de um ser ou de uma situação através de um processo de separação, dissociação e reencontro torna-se ainda visível nos inventários que Lourdes Castro empreende enquanto programa de pesquisa da vida e da existência das sombras: d'O Grande Herbário das Sombras, o qual reúne as sombras de cerca de 100 espécies botânicas da ilha da Madeira, tomadas directamente ao sol, sobre papel heliográfico; aos desenhos sobre papel das sombras de flores à volta de um centro, até à reunião dos Álbuns de Família, numerosos volumes onde se encontram coligidos variados textos, imagens e pensamentos, a artista dedica-se a um laborioso trabalho de documentação sobre todas as incidências e contextos esclarecedores do seu programa de trabalho.

João Fernandes — in catálogo: "XXIV Bienal de São Paulo – Portugal", 1998

The works of Lourdes Castro are centered around the shadow as a horizon for perception and interrogation on reality. After having participated with other European artists in the creating, in Paris, of one of the few experimental magazines published at the time (1), the artist begins to make, at the beginning of the sixties, objects which are the result of " everything which was to be thrown away" (2), then painting them in aluminium. Some of these sculptures are boxes in which the objects are glued, and then painted over in a uniform colour. In other cases there are collages of disperse or concentrated letters and day-to-day objects on canvas. This approaching to the principles of collage and assemblage, within the context of some of the issues covered by the New Realism, seems to be obvious when one first considers these works. However, there is no revindication of the autonomy of the aesthetic object in relation to the object for use, or of its derision through accumulation and appropriation, unlike that which was the case in the "nouveaux réalistes". Lourdes Castro frees herself from the objects in collecting them. She stresses their superfluous or unnecessary condition by bringing them together and relating them within the same colour. The figure and the background are indistinguishable in their compositional effect. Density is shown in the concentration or spreading out of the objects over an area or surface, united in the interrogation of this "unnecessary" relationship between the daily object, sculpture and painting.

This desire for an "ecological" freeing from objectual materiality is stressed in the author's work through the questioning of the shadow as a contour of an absence of the object or of the figure evoked by it. In one photograph we come across someone jumping: their feet raise up into the air, the shadow is horizontally projected on the ground, "disconnected" (3), from the body, freed from the condition of the subject and its identity. The first projected shadows (1962) by Lourdes Castro are serigraphs made from a collage of objects, which are previously placed on the presensitized silk. The object is dematerialized through the projecting and printing of its shadow. In a certain manner it is erased in order to only retain its essential aspect: the idea of its existence, the shadow of its projection. However, the shadow is still too dependent on the entity, which determines it. The artist goes from the dematerialization of the object to the dematerializing of its shadow, through a series of paintings in which only its outlines become visible. In her paintings of projected shadows of her friends, Lourdes Castro clearly moves away from depiction, from the question of mimesis of the causality of the object. The outline is no longer determined by the latter, but by its diluting within the artist's gaze, as a documenting of an ephemeral, transitory and fleeting moment. "The shadow is still palpable. The outline isn't. The outline surprises me because it didn't exist before I drew it" (4). The outline turns out as the necessary removing of everything which is irrelevant in a figure, conserving and underlining its essential nature. "The outline is the Least that I may have of anything, of anyone, conserving their characteristics" (5).

Yet a problem remained from the outlines of the shadow projected on canvas: that of the opacity of painting itself. The dematerializing of the object through its dissociating from the shadow as an outline still needed the transparency of a "material as immaterial as the shadows" (6), which would become possible with the use of plexiglas. In superimposing different plates made of this material, colouring it and cutting it out, the artist makes the density of the shadow variable, projecting it on the wall from its depicted absence through an intermediary filter: the object is no longer the origin of the projected shadow. The absence definitively becomes the revelation of a separation necessary to the understanding of that which is most simple in life, from the memory of the fleeting nature of a moment to the intimate journal of notes on the memory of friends, of their gestures and attitudes, of the use of common daily objects.

A re-approaching towards life, beyond the question of its representation, naturally appears. The life of the shadows re-unites them with daily life. There then appear the lying down shadows, sheets embroidered with the outline of the shadow of people lying down, which horizontally project their vestiges, as if they no longer needed the vertical incidence of the sun to define them. Their relationship with life will lead these shadows to rise up once again, to lose their fixed nature and to take on a "life of their own" through the events projected by the Shadow Theatre which Lourdes Castro will create with Manuel Zimbro, between 1973 and 1985. Acts and events from daily life are transfigured and staged through subtle metamorphoses of props, objects and situations in works such as Picnic in the Shade, Night and Day, The Five Seasons, and The Horizon Line, among others. The shadow is now a moving shadow, staged within a theatricality of daily life, without any other artifices than those of the creation of the surprise effected of the most simple gestures.

The reification of an object, of a being or of a situation through a process of separation, dissociation and reencounter also becomes visible in the inventories which Lourdes Castro carries out as a programe of research into the life and existence of the shadows: from The Great Herbarium of Shadows, which brings together the shadows of about 100 botanical species from Madeira Island, taken directly in the sun, on heliographic paper; to the drawings on paper from the shadows of flowers around a centre, to the collection of the Family Albums, several volumes in which different texts, images and thoughts are glued, the artist dedicates herself to a laborious work of documentation on all of the incidences and contexts of her programe of work.

From the shadow as a subtraction of everything of a superfluous nature which hides the essence of things to its projection as a fixing of the ephemeral which sums up that which is fundamental in life, Lourdes Castro shows us the path of the sun and the moon; she gives us back the lost silhouettes and teaches us how to disappear, releasing us in the shade of that which was unnecessary within us…

João Fernandes - in catálogo: "XXIV Bienal de São Paulo – Portugal", 1998